domingo, 24 de abril de 2011

MUSEO COLECCIONES ICO: Libres para Pintar


Christian Domecq, Espejo oscilante, 1990. ©
Christian Domecq, VEGAP, Madrid, 2011

Pintores en las Colecciones ICO presenta la Colección de Pintura Española Contemporánea del Instituto de Crédito Oficial. Se trata de un conjunto temporalmente muy bien definido, conformado por una serie de obras de primer orden que, partiendo de la renovación plástica que suponen Alfonso Fraile y Luis Gordillo, muestran una amplia visión de la pintura que se creó en la España de los años ochenta. Aunque generacionalmente alejados de este grupo, las Colecciones ICO también cuentan con obras de Esteban Vicente y José Guerrero por la indudable importancia de ambos para la pintura española contemporánea.

 

Pese a no haber sido estudiados aún con la profundidad que merecen, se puede afirmar que el rasgo común que unifica la vitalidad creativa de los artistas de este periodo es la libertad. España estrenaba su moderna democracia, un sentimiento de euforia recorría todo el país y estos jóvenes creadores, hastiados de las promesas incumplidas de la abstracción, de la oscuridad de una veta brava que entroncaba con un supuestamente tradicional aunque más bien tópico tenebrismo consustancial al arte español, se enfrentaron a partir de entonces a la práctica artística libres de servidumbres de cualquier tipo, no sólo políticas sino sobre todo estéticas. Como indica Ángel González, al hablar de “arte abstracto” uno nunca sabía si se hablaba de la clase de cuadros y esculturas que solía exponer Juana Mordó o de fantásticos y atrevidos planes para transformar el mundo y, con él, nuestras pobres vidas de estudiantes alucinados por las que habían llevado tremendos caudillos revolucionarios y aún llevaban correosos soldados de incalculables “movimientos de liberación nacional”.

José Guerrero, Blues and black, 1958. © José Guerrero, VEGAP, Madrid, 2011.


Así, la nueva generación de pintores decide hacer tabula rasa y enfrentarse al lienzo en blanco con la mente abierta a cualquier influjo de la tradición que pudiese servir a sus propósitos, desde la Historia Sagrada a la cultura pop, pasando por la mitología griega y la iconografía renacentista. Y, separándose del tenebrismo de la generación anterior, hacen uso de un colorismo rico, brillante y optimista. Practicar ésta o aquella tendencia ya no supone, en fin, pronunciarse de manera implícita por uno u otro bando político. Ahora sólo se pinta por el placer de pintar y ese es, quizá, el principal logro de estos artistas.

1980, no obstante, empieza antes, probablemente en 1974, o quizá incluso en 1972. Como indica Valeriano Bozal, los pintores de los sesenta siguen pintando en los setenta y los ochenta, no sólo siguen pintando, continúan manteniendo su vigencia estética, profesional, intelectual e incluso económica, y ello al margen de que otros artistas más jóvenes […] introduzcan planteamientos estéticos y estilísticos nuevos, actitudes diferentes. […] En la década de 1970 ha continuado presente la pintura de Tàpies y la de Saura, la del Equipo Crónica, Arroyo, Ràfols Casamada, Hernández Pijuan, Gordillo, Antonio López, etc. Algo que se puede constatar en esta exposición, que no vive sólo de figuración. Con el transcurrir de la década aparecen artistas más jóvenes que retoman poéticas abstractas; o incluso algunos de los figurativos estilizan sus imágenes hasta casi convertirlas en elementos abstractos.
Costus (Juan Carrero y Enrique Naya),
Carmen Polo.
Viuda de Franco, 1978

Quizá lo único claro del arte contemporáneo sea su falta de claridad. Es decir, su dificultad para clasificarlo de esa forma normativa tan querida para la Historia del Arte. La libertad creadora de los artistas actuales es tal que no pueden ser encasillados en un único estilo, una única técnica o una sola disciplina. Comprenderlo requiere un esfuerzo considerable, pero somos conscientes de que merece la pena. Esperamos que esta exposición sea una iniciación enriquecedora al arte contemporáneo español para unos y una forma de ampliar conocimientos para otros y que, en definitiva, esta colección pública sea disfrutada por todos.



MUICO: Museo Colecciones ICO
Del 10 de marzo al 1 de mayo de 2011.
C/ Zorrilla, 3 - 28014 Madrid
Tel.: 91 420 12 42


 

viernes, 22 de abril de 2011

Descubriendo el Patrimonio Europeo en las Residencias Reales

Desde 2001, las instituciones encargadas de los más prestigiosos Museos Palacios de Europa se unieron para crear la Asociación de Residencias Reales Europeas (ARRE). La Asociación les permite trabajar en colaboración y compartir sus conocimientos y experiencias en la conservación y promoción del patrimonio cultural que tienen a su cuidado.

El objetivo de la ARRE consiste en desarrollar y gestionar la red de residencias reales europeas, en concreto organizando intercambios de experiencias y actividades de formación, para mejorar el acceso de los europeos a su historia compartida y sensibilizarlos sobre la importancia de conservar su patrimonio común.


"Descubriendo el Patrimonio Europeo en las Residencias Reales" (DPERR), es el primer proyecto educativo y cultural colectivo emprendido por los miembros de la Asociación de Residencias Reales Europeas.

Este proyecto, que comenzó en 2010, ha elaborado un programa de actividades y manifestaciones culturales con el objetivo de presentar y promocionar las Residencias Reales Europeas. Visitas guiadas, conferencias, juegos, actividades deportivas y talleres interactivos dirigidos a concienciar de la riqueza y diversidad de nuestro patrimonio común europeo.

Las instituciones miembros de la red son: Stiftung Preussische Schlösser und Gärten Berlin-Brandenburg, Alemania ; Schloss Schönbrunn Kultur- und Betriebsges.m.b.H., Austria ; Palais de Charles Quint asbl, Bélgica ; De Danske Kongers Kronologiske saml Rosenborg Slot, Dinamarca ; Patrimonio Nacional, España ; Etablissement Public du musée et du domaine national de Versailles, Francia ; Établissement public du domaine national de Chambord, Francia ; Gödöllői Királyi Kastély Kht, Hungría ; Regione Piemonte (Direzione Cultura, Turismo e Sport), Italia ; Ministero per i Beni e le Attività Culturali, Italia ; Paleis Het Loo Nationaal Museum, Países Bajos ; Muzeum Pałac w Wilanowie, Polonia ; Palácio Nacional de Mafra, Portugal; Historic Royal Palaces, Reino Unido; Royal Collections Kungl. Slottet, Suecia.

Patrimonio Nacional es la institución que gestiona el conjunto de bienes de titularidad estatal vinculados con la Corona española.

Gestiona ocho Palacios Reales, cinco Residencias Reales de Campo y diez Monasterios y Conventos fundados por la Corona, además de las 20.500 hectáreas de bosque y las 589 de jardines históricos, de las cuales 154 han sido reconocidas como Paisajes Culturales Patrimonio de la Humanidad.

Asimismo, administra los bienes muebles y las Colecciones de Arte conservadas en dichos lugares, así como los bienes asignados para el uso y servicio de la Corona y las donaciones hechas al Estado por Su Majestad el Rey.


Los Reales Sitios son utilizados para las ceremonias de Estado y actos oficiales más relevantes del Reino de España. Los más destacados son los que se celebran en el Palacio Real de Madrid.










Los Museos de Patrimonio Nacional en los Reales Sitios están abiertos al público. Los visitan anualmente más de tres millones de personas, lo cual convierte a la institución en uno de los principales Organismos culturales de España.


domingo, 17 de abril de 2011

Recuperados tres objetos del ajuar funerario de Tutankamón

En un lento y penoso goteo van apareciendo los objetos robados del Museo Egipcio de El Cairo durante el robo del pasado enero, en la confusión de los primeros pasos de la revolución en Egipto. Ahora han regresado a su hogar la estatuilla dorada del faraón cazando con arpón desde un bote, la trompeta de bronce y el elemento central de abanico sustraídos.

La estatuilla era uno de los objetos emblemáticos del saqueo del Museo Egipcio. Los asaltantes la rompieron y en el suelo de las salas del tesoro de Tutankamón, como se pudo ver en imágenes captadas por la televisión, quedaron, entre cristales de las vitrinas, la barca en que se apoyaba la figura y los pies de esta. La estatuilla, cercenada de su base por los ladrones para facilitar su transporte, presenta serios desperfectos, le falta un trozo de corona y parte de las piernas. Los técnicos del museo se emplearán a fondo para restaurarla.

La trompeta en cambio está en excelentes condiciones de conservación por lo que no requiere restauración y podrá volver a exhibirse enseguida. Sin embargo, el abanico se ha roto en 11 piezas, además, parte del objeto sigue perdido.

Las cuatro piezas del antiguo Egipto aparecieron en una maleta hallada por casualidad en el metro de El Cairo por el arqueólogo Salah Mohamed mientras se dirigía al trabajo. Una más de las rocambolescas historias vinculadas a la recuperación de objetos del asalto al Museo Egipcio. El pasado febrero, un profesor de la Universidad Americana de El Cairo entregó la estatua robada de Akenatón con corona azul y base de alabastro que su sobrino, dijo, había encontrado cerca de un contenedor de basura en la plaza Tahir.


Con las tres piezas de Tutankamón se ha recuperado uno de los ushebti -estatuilla funeraria- del conjunto sepulcral de Yuya y Tuya, otra de las colecciones del museo más perjudicadas por el asalto. La figurita se encuentra en buen estado y podrá también volver a ser expuesta de inmediato.

Zahi Hawass, ministro de Antigüedades, aprovechó ayer en una conferencia de prensa con motivo de la recuperación de los objetos para advertir a los que se llevaron piezas del museo que todas están registradas y nunca conseguirán venderlas. Añadió que los que devuelvan las piezas no serán castigados. "Sólo queremos recuperar las antigüedades", recalcó.

jueves, 14 de abril de 2011

“La construcción de Europa el legado cultural de Grecia y Roma”. Exposición en la Real Casa de la Moneda y Timbre. Madrid.


Este año es el 25 aniversario de la adhesión de España y Portugal a la Comunidad Económica Europea, hoy Unión Europea. Con motivo de tan relevante acontecimiento, el Museo Casa de la Moneda ha preparado una exposición que lleva como título “La Construcción de Europa. El Legado Cultural de Grecia y Roma - 25 años de España en la CEE-UE”.


La muestra, que será inaugurada el 13 de abril a las 12:00 horas y estará abierta al público hasta 5 de junio, reúne un total de 955 piezas pertenecientes a las colecciones del Museo Casa de la Moneda. La mayor parte de ellas no figuran en su exposición permanente, por lo que es una ocasión única para poder verlas. Monedas griegas y romanas de los siglo V a.C. al IV d. C.; grabados, dibujos, libros y medallas desde el siglos XVI a la actualidad; billetes de banco, sellos de correos y monedas del último siglo.

En las cuatro salas que ocupa la muestra se hace un recorrido por Grecia y Roma, las dos antiguas civilizaciones que constituyen el núcleo de la cultura occidental, el cristianismo, heredero de las estructuras jerárquicas y administrativas del imperio, para terminar la construcción de la actual Europa y la incorporación de España.

El recorrido empieza con la civilización griega, donde surgen las ideas filosóficas, políticas, científicas y culturales que conforman nuestra civilización. Podemos ver aguatintas, aguafuertes, buriles y dibujos que hacen referencia a la Escuela de Atenas, los Siete Sabios, Alejandro y su boda con Roxanne, Esquilo o Sófocles, algunos de ellos firmados por Tomás Francisco Prieto. Dracmas, didracmas y tetradracmas entre otras monedas griegas fechadas entre los siglos V y I a.C en las que podemos ver a los dioses más relevantes del panteón griego.
Además, emisiones de la Grecia actual de billetes de banco, sellos de correos y monedas con iconografía de la Grecia clásica.

Prosigue con la civilización romana, heredera del legado griego al que incorpora influencias de Persia, Mesopotamia y Egipto. Aquí podemos ver monedas romanas, entre otras, aureos, denarios y sestercios de los siglos II a.C. al IV con imágenes de los dioses romanos. Litografías, grabados y dibujos de los
siglos XVI al XX y sellos de correos, billetes de banco, monedas y medallas, donde están representados los hechos y personajes más destacados de la historia de Roma: Rómulo y Remo, el rapto de Sabinas, Cicerón, Julio César, Augusto y otros emperadores. Los monumentos y la construcción civil también ocupan un lugar importante.

En la tercera sala podemos encontrar la mitología de Grecia y Roma en grabados, dibujos y libros con los dioses griegos y su versión romana, junto otras divinidades procedentes de Persia, Asia Menor y Egipto. Diversas alegorías y virtudes en aguafuertes y buriles. Los juegos olímpicos clásicos en dibujos del siglo XVIII de Roberto Michel y los de la época moderna en medallas, monedas y sellos de correos. Una parte de esta sala está dedicada al cristianismo: la entrega de llaves a San Pedro, el Vaticano y la Ruta Jacobea en medallas, grabados, dibujos, sellos de correos y planchas originales para su estampación.


“La construcción de Europa el legado cultural de Grecia y Roma- 25 años de España en la CEE UE”.

Del 13 abril al 15 junio de 2011.

Real casa de la Moneda.

Fábrica Nacional de Moneda y Timbre.

Entrada Gratuita.

miércoles, 6 de abril de 2011

El Gobierno de Silvio Berlusconi pone el Coliseo, quizá el monumento más importante del mundo, en manos privadas.



El beneficiario es el empresario Diego della Valle, dueño de la empresa de zapatos Tod's, que a cambio de pagar el coste de los trabajos de restauración, 25 millones de euros, mantendrá durante 15 años prorrogables la exclusiva sobre la imagen mundial del monumento romano.

A cambio de sufragar los 25 millones que costará la restauración del anfiteatro del siglo I, Tod's gestionará en exclusiva los alquileres y los derechos de imagen del Flavio dentro y fuera de Italia, podrá poner su logotipo en las entradas y en los andamios, y construir un "centro de servicios" en el área arqueológica más protegida del mundo.

El acuerdo fue firmado el 27 de enero pasado, y el Gobierno lo vendió con gran pompa como un acto de generoso mecenazgo por parte del emprendedor empresario del zapato. Curiosamente, el texto no se dio a conocer, y en gran parte todavía sigue siendo un misterio. El sindicato UIL, muy activo en el campo del patrimonio histórico y la cultura, ha presentado un escrito ante la Fiscalía de Roma y el Tribunal de Cuentas en el que expresa sus dudas sobre el alcance real del contrato y pide que se investigue si hay indicios de delito.

Una asociación mixta que debe ser todavía constituida, y en la que la empresa zapatera será dominante, tomará desde ahora las decisiones que afecten el monumento. Si alguien desea utilizar la imagen del Coliseo para rodar una película, un anuncio o hacer una campaña política, deberá pedir permiso a Tod's. Lo han tenido que hacer ya los responsables de Volkswagen, que pretendían presentar en el teatro romano un nuevo modelo.

Fuentes de la empresa italiana han replicado a las críticas con un argumento sencillo: "Una empresa cotizada en bolsa que invierte 25 millones en restaurar un monumento debe explicar a sus accionistas ese comportamiento. Sería absurdo que Tod's no tuviese la exclusiva mientras duren las obras".

El dueño de Tod's firmó el trato con el comisario del área arqueológica de Roma, el arquitecto Roberto Cecchi, apoderado por un decreto especial de la presidencia del Gobierno. Cecchi es uno de los nombres que el Ejecutivo emplea desde 2001 para acometer su "puesta en valor del patrimonio cultural". Su superior, Mario Resca, ex consejero delegado de McDonald's Italia, fue designado personalmente por Silvio Berlusconi para explotar los monumentos y museos con una visión comercial y privada. Según los críticos, una estrategia populista más, basada en considerar la conservación del patrimonio en una emergencia permanente (lo que ayuda a cerrar contratos a dedo).

El objetivo declarado es lanzar acciones de gran impacto y aumentar las visitas. Mientras, se recortan los fondos públicos, se vacían las plantillas dedicadas al mantenimiento y se relaja el cuidado de los bienes artísticos e históricos. En paralelo, el Gobierno ha ido cediendo al sector privado buena parte de la gestión cultural y museística, desde la organización de exposiciones al negocio de las taquillas, un mercado restringido a un puñado de empresas que obtienen hasta un 30% de cada entrada vendida. Empresas como Electa Mondadori, propiedad del jefe de Gobierno italiano, han obtenido además concesiones públicas para las librerías de una treintena de instituciones, entre ellas la del Coliseo y el Foro Romano.

En los últimos dos años, esa tendencia parece haberse exacerbado, lo que ha provocado tensiones y dimisiones entre los altos cargos culturales.

El Coliseo Romano.

- La construcción del Coliseo empezó en el año 72 por voluntad del emperador Vespasiano. Las obras terminaron en el 80, cuando el emperador Tito pudo inaugurarlo con 100 días seguidos de juegos.

- El también llamado anfiteatro Flavio, debido a la dinastía de los emperadores Flavios que lo edificó, acogía espectáculos y luchas entre gladiadores o entre hombres y bestias. En determinadas ocasiones, los romanos lo llenaban de agua y reproducían batallas navales en las que Roma había salido victoriosa. La entrada era gratuita.

- A partir de la Edad Media, se convirtió en fortaleza y siglos más tarde en almacén de materiales para obras. La Unesco lo declaró Patrimonio de la Humanidad junto al centro.

- Una entrada cuesta 12 euros (7, 50 para ciudadanos de la Unión Europea). En 2010 recibió más de cinco millones de visitas.

lunes, 4 de abril de 2011

LA OBRA DEL MES: PUNTO DE VISTA DESDE LA VENTANA DE GRAS

La cour du domaine du Gras, es la primera fotografía permanente de la que se tiene constancia y se realizó en el año 1826.



Fue tomada por Niepce desde una ventana del tercer piso de su casa de campo en Le Gras, Saint-Loup-de-Varennes, Francia. Y representa una vista del patio de su casa y la calle.

Para realizarla utilizo una plancha de peltre de 20x25 centímetros, recubierta de Betún de Judea y la expuso; las partes del barniz afectadas por la luz se volvían insolubles en mayor o menor grado, dependiendo de la luz recibida.

Después de la exposición la placa se bañaba en un disolvente de aceite esencial de lavanda y de aceite de petróleo blanco, separándose las partes de barniz no afectadas por la luz. Luego se lavaba con agua. La imagen final quedaba compuesta por la capa de betún en los tonos claros y la superficie de la placa plateada en las sombras.

La exposición fue de 8 horas y como resultado, la luz del sol ilumina los edificios de ambos lados.

Intentó de forma fallida que la Royal Society se interesara en el proceso.

Al final dio la foto al botánico Francis Bauer. Fue exhibida al público en 1898 por última vez, y posteriormente fue olvidada. Fue adquirida por el coleccionista Helmut Gernsheim, que volvió a sacarla a la luz en 1952 y la Eastman Kodak Company realizó una copia. Desde 1973 los derechos pertenecen a la Universidad de Texas, ya que compró la colección de Helmut Gernsheim. En la actualidad se exhibe en el Harry Ransom Humanities Research Center, situado en la Universidad de Texas en Austin.


Sin embargo, el semiólogo Roland Barthes recoge una imagen anterior en su obra "La´cámara lúcida". Se trata de la obra La mesa puesta, una instantánea borrosa en la que se ve una mesa dispuesta para ser utilizada en una comida. Data de 1822, y fue realizada también por Niepce. Esta se conserva en el Museo Nicéphore Niepce, en Chalon sur Saône.


En realidad Niépce es un completo desconocido para el gran público. De hecho, hasta 1841, año en que su hijo Isidore publica la obra "Historia del descubrimiento del invento denominado daguerrotipo", no se pudo aclarar su papel en la historia del descubrimiento de la fotografía.


La revista Life la incuyó en su lista de las "100 fotografías que cambiaron el mundo"


Niepce

Joseph-Nicéphore Niépce nació en Chalon-sur-Saône, el 7 de marzo de 1765. Y murió en Saint-Loup-de-Varennes, el 5 de julio de 1833. Fue un terrateniente francés, químico, litógrafo y científico aficionado.



Niépce estaba interesado en la litografía, comenzó a experimentar en este campo en 1793 con la reproducción óptica de imágenes realizando copias de obras de arte. Utilizaba para ello los dibujos de su hijo realizados para la plancha litográfica.

En sus primeros experimentos, en 1813, utilizaba gomas resinosas expuestas directamente a la luz del sol. El primer medio que consiguió que fuera sensible a la luz fue el asfalto disuelto en aceite.

Pero a pesar de que en ocasiones lograba capturar imágenes, éstas se oscurecían rápidamente.

Cuando en el año 1814 su hijo se alistó en el ejército, tuvo la idea de emplear una cámara oscura junto con las sales de plata sensibles a la luz para tratar de conseguir imágenes fijas. Empezó utilizando la piedra como soporte para fijar las imágenes, aunque desistió pronto por los grandes problemas que acarreaba. Siguió entonces con el papel, luego con el cristal y, por último, con diversos metales como el estaño, el cobre y el peltre.

Obtuvo las primeras imágenes fotográficas de la historia en el año 1816, aunque ninguna de ellas se ha conservado. Eran fotografías en papel y en negativo, pero no se dio cuenta de que éstos podían servir para obtener positivos, así que abandonó esta línea de investigación.

Un par de años después, ya en 1818, obtuvo directamente imágenes en positivo, imágenes únicas. Pero de esta forma perdió la posibilidad de reproducción de las imágenes.

Al procedimiento utilizado lo llamó heliografía (del griego “helios” y “grafía” dibujo o escritura con sol). Realizó con este procedimiento reproducciones de grabados ya existentes e imágenes del natural.


Aún no tenía resuleta la cuestión de la fijación de las imágenes, ya que las mismas perdían nitidez rápidamente con el paso del tiempo.


A través del óptico Chevalier, Niépce entró en contacto con Daguerre con quien firmó un contrato de constitución de una sociedad, el día 14 de diciembre de 1829. Daguerre reconocía que Niepce "había encontrado un nuevo procedimiento para fijar, sin necesidad de recurrir al dibujo, las vistas que ofrece la naturaleza".

Durante un tiempo Daguerre y Niepce estuvieron trabajando juntos. Cada uno informaba al otro sobre sus trabajos, a veces con recelo. Consiguieron el perfeccionamiento de la cámara oscura. Existen también cinco cámaras de madera de nogal en las que pusieron un diafragma de vidrio, dispositivos de báscula y fuelle. Trabajaban con placas sensibles de plata, cobre y cristal, y hacían uso de vapores para ennegrecer la imagen.

A causa de una apoplejía sufrida 2 días antes en su estudio de Saint Loup de Varennes, Niepce fallece el 5 de julio de 1833, sin que el invento se hiciera público. Tenía 68 y fue enterrado en el cementerio del pueblo.

Tras esto Daguerre continuó investigando. Más tarde, en 1835, hizo un descubrimiento importante por accidente. Puso una placa expuesta en su armario químico y encontró después de unos días, que se había convertido en una imagen latente.

Daguerre aprovecha los problemas económicos del hijo de Niépce para modificar el contrato suscrito, lo que supone que el nombre de Daguerre pase a aparecer por delante del nombre de Niépce, a cambio de que los derechos económicos del padre le sean reconocidos al hijo.

En ese mismo año se produce otra modificación del contrato, tras la cual el nombre de Niépce desaparece del contrato y el procedimiento pase a llamarse «Daguerrotipo»

Daguerre perfeccionó el daguerrotipo hasta 1838. Incorporó la utilización del yoduro de plata para la sensibilización, los vapores de mercurio para el revelado y el agua salada para la fijación de la imagen.

Unos pocos años después, en 1838, Louis Daguerre tomaba en el Boulevard du Temple la primera fotografía, en la que aparece una persona.


Ante las maniobras realizadas por Daguerre para ocultar los trabajos de Niepce, su hijo sacó todo a la luz, en un libro.

Enlaces

- Casa-Museo Niepce

http://www.niepce.com/pagesp/pagesp-house.html



- Museo Niepce

http://www.museeniepce.com/



- Colección de fotografía (y otros) del Harry Ransom Humanities Research Center

http://www.hrc.utexas.edu/collections/photography/